Amósfera, un tema cuya reflexión ha ido cobrando una forma especial en mi mente mientras, por circunstancias cotidianas ajenas a mí, no encontraba el tiempo para darle forma. Finalmente, con un poco de retraso, trato de, desde otro ángulo, escribir algo que es más bien producto de cómo el concepto de atmósfera para mí, ha ido cambiando a lo largo del tiempo desde la perspectiva concreta de la pintura.
Marissa hizo una estupenda asociación con la arquitectura de Frank Lloyd Wright. Y es que, efectivamente el tema da para mucho. Cristina la hizo partiendo del Impresionismo y Liz habló de una instalación en particular de la escultora portuguesa Joana Vasconcelos.
Yo he divagado acerca de cómo abordar el tema y finalmente decidí que la mejor manera de hacerlo era en orden cronólogico para poder apreciar como nuestra percepción del arte va cambiando y adecuándose al tiempo.
Uno de los cuadros más intrigantes y para mí formidables de todos los tiempos es
The Arnolfini Portrait (1434) del pintor flamenco Jan Van Eyck (c.1380/90-1441), hoy en la National Gallery de Londres.
82cms x 60cms
National Gallery, Londres.
El crítico austriaco Erwin Panofsky sostiene que la vista de Van Eyck era simultáneamente un microscopio y un telescopio y desde luego hay razones para pensar que fue así. El pintor, escultor, arquitecto y biógrafo del Renacimiento, Giorgio Vasari (1511-1574), cuyas Vite, a pesar de su capacidad inventiva a falta de datos concretos , les atribuye a Jan Van Eyck y a su hermano Hubert, la invención del óleo. Si bien ahora se sabe que no fueron ellos quienes lo inventaron si es un hecho que son los flamencos los que lo popularizan. La capacidad que da el uso de este material de secado lento, a diferencia del temple, permite que, en su cuadro más emblemático, Jan Van Eyck haga uso de la la pintura por veladuras. Es decir el óleo facilita la creación de una perspectiva donde se percibe la amósfera hasta el más mínimo detalle. Van Eyck nos muestra el interior de una casa de clase alta en Brujas, en cuya habitación principal se está celebrando una unión nupcial. Giovanna Cenami, la novia, lleva un vestido verde, color de la fertilidad, la cama tiene un cobertor rojo, color de la pasión y cada detalle del cuadro nos hace reflexionar acerca de algo específico. La vela encendida es un símbolo de la unión que se está celebrando; la lámpara es de bronce, porque la minuciosidad con la que Van Eyck maneja el pincel y el óleo dejan en evidencia que se trata de ese material. Lo más impactante en el cuadro es el espejo, un cuadro dentro de otro cuadro. Se trata de un espejo convexo, rodeado de diez escenas del via crucis y en el que vemos reflejados al propio novio, Giovanni Arnolfini, a Giovanna Cenami y al sacerdote e incluso al propio pintor que actúa como testigo de la boda. El oleo y la mano diestra de Van Eyck, le han permitido crear una atmósfera única que trascendería todos los tiempos y convertiría a su retrato en uno de los más enigmáticos de la historia de la pintura.
La otra pintura que yo relaciono al tema es La Tempestad (c.1506-1508) del pintor veneciano Giorgio Barbarelli da Castelfranco (1477-1510), conocido como Giorgione.
https://tuitearte.es/2012/12/11/giorgione-renacimiento-la-tempestad/
Galleria dell’ Academia. Venecia. 83cmsx 73cms.
La Escuela Veneciana, se gesta en la poderosa y Serenissima Repubblica de Venecia, para popularizarse, fundamentalmente a través de Tiziano (c. 1477/1490-1476) uno de los pintores cuya fama y talento trascendería fronteras por lo que pintaría para las casas reales más importantes de Europa, desde la corte del Emperador Carlos V, y posteriormente su hijo el rey de España Felipe II, hasta la casa D´Este en Ferrara, la corte de los Gonzaga en Mantua, la propia República Veneciana, el papado.
La peculiaridad y novedad de esta escuela, en un período como el Renaciminto, en que, de acuerdo a la teoría y categorías de la pintura del historiador suizo Heinrich Wölfflin (1864-1945) el dibujo era más importante que el color, es que en Venecia ocurre todo lo contrario y predomina il colore vs disegno. Para los venecianos el color es mucho más importante que el diseño y eso hace que desarrollen una teoría propia del color y el predominio de las tonalidades tierra, burdeos, café, chocolate. Son precisamente esas tonalidades las que le permiten a Giorgione, pintar por primera vez un fenómeno atmosférico en La Tempestad. En uno de los cuadros más misteriosos del Renacimiento, cuyo título fue cambiando para finalmente acuñarse el de La Tempestad. Giorgione, haciendo uso de los colores tierra y gracias a la versatilidad del óleo representa una tormenta, en la que se distingue claramente un relámpago en el paisaje del fondo y en el que crea una atomsfera en la que el espectador siente la angustia que produce el fenómeno natural.
Formado en el taller de Jacopo Bellini (1396-1470) padre de dos grandes pintores, Gentile (1429-1507) y Giovanni (1430-1516) y suegro del pintor que es la figura más trascendente de la corte de los Gonzaga en Mantua en el Quattrocento, Andrea Mantegna (1431-1506), Giorgione, muerto a temprana edad en una de las tantas epidemias de la peste que azotan a Venecia, dejaría un legado de cinco cuadros que con certeza se atribuyen a él y otros más que probablemente su amigo y colega Tiziano se encargaría de terminar.
Finalmente, y dejando atrás el Renacimiento, otro artista que capta la atomsfera a través de su recreación de la velocidad es el pintor romántico ingles Joseph Mallord Turner (1775-1851). En una era en que los sentimientos prevalecen sobre la razón, y en que la música, la literatura y el arte se ven afectados por la trascendencia del Romanticismo, Turner se vuelca a su mundo interior y logra plasmar las emociones más profundas a través del paisaje. Concretamente en su pintura Lluvia, Vapor y Velocidad, Rain, Steam and Speed-The Great Western Railway (c.1844). El crítico de arte más popular de la era Victoriana, John Ruskin (1819-1900), amigo personal de Turner, le propone tartar de captar la velocidad de la luz, que en este caso no es otra cosa que la atmósfera. Turner hace un viaje en el Great Western Railway, y concretamente pinta el Puente Maidenhead que atraviesa el río Támesis. Lo que Turner intenta, aparentemente sacando su cabeza por la ventana es captar la atomsfera, la lluvia, el vapor y la velocidad de la luz, en una era en la que la Revolución Industrial está transformando el mundo y anunciando la Modernidad de la tecnología. De esta manera el paisaje es también capaz de representar el estado anímico y recrear una atmósfera que precedería al Impresionismo.
Durante la Guerra Franco-Prusiana, Claude Monet (1840-1926), el lider del impresionismo, de pintar sin emoción y al aire libre y su amigo Camile Pissarro (1830-1910) se irían a Londres y ambos pintarían muchos cuadros al aire libre inspirados en la pintura de Turner y su contemporáneo John Constable (1776-1837).
De esta manera, cada forma que tiene un artista de recrear la atmósfera enriquece la que tendrán otros.
https://www.art.co.uk/products/p10032203-sa-i846005/j-m-w-turner-rain-steam-and-speed.htm
National Gallery, Londres (91cms x 1.22mts)
Referencias:
Gibson, Clare. The Hidden Life of Art. Nueva York: Barnes & Noble, 2006.
Gombrich, E.H. The Story of Art. Londres: Phaidon
